Amaia Montero (2008) - Crítica

AMAIA MONTERO – Amaia Montero (2008)

Compuesto íntegramente por Amaia, producido por Claudio Guidetti en Meda Estudios en Milán y mezclado por Mike Tacci en Henson Studios Los Ángeles, Amaia Montero se convirtió en uno de los discos más esperados de 2008, no solo por el talento de la irunesa, sino por ser el primer disco en solitario de la exvocalista de La oreja de Van Gogh. Por ello, las comparaciones son inevitables y, de hecho, seis años después aún muchos seguidores (y detractores) siguen valorando sus canciones con adjetivos del tipo "orejero". Personalmente, intento evitar comparaciones, pero ella también formó parte de la composición en LOVG, luego su impronta personal ahí está. 

En general, me parece un disco sorprendente, porque Amaia arriesgó y buscó nuevos sonidos que se distanciaran de las canciones que ella interpretó con LOVG. A diferencia de sus excompañeros, partidarios de canciones más rotundas, pegadizas y milimetradas para sacarles todo el partido comercial, Amaia hace canciones más "imperfectas", pero justamente más humanas, más honestas, más intimistas y todo ello contribuye a hacer canciones memorables y atemporales. Tras cada escucha, siempre se descubren nuevos matices. Sin lugar a dudas, este álbum debut envejece muy bien. He aquí la valoración de cada canción. 

Su carrera en solitario comienza con QUIERO SER, un tema arriesgado y nada pegajoso que se ha convertido en el gran éxito de la irunesa, tal vez por el interés mediático que despertaba en 2008. Para ser honesto, me decepcionó al principio. ¿Quién iba a imaginar que Amaia apostaría por un corte con un deje aflamencado y protagonizado por una guitarra acústica? ¿Dónde quedaban los sintetizadores que acompañaban a su voz en su carrera con LOVG? Muy lejos. Y este distanciamiento le sirvió para sorprender al público con un ritmo pausado y con un estribillo también lento, pero con garra. Tal lentitud en su modo de cantar nos permite degustar cada palabra de la letra. Así las cosas, descubrimos que no es sino una declaración de intenciones y de pretensiones amorosas, sanas, sin depender de la otra persona. Por cierto, a pesar de los diminutos "amarradita" y "verita", en Quiero ser sobresale su lirismo por encima del resto de canciones. NOTA: 17/20

MIRANDO AL MAR, musicalmente más cercana a los temas que compuso íntegramente en su etapa con LOVG (Nadie como tú o Apareces tú), habla de un amor acabado, pero sin descartar una posible reconciliación. Se trata de una balada pop, algo más animada que el primer single, bien construida con un puente maravilloso y vigoroso, que continúa con un certero pasaje musical  con predominio de guitarras. Un gran acierto, como la brevedad del estribillo. Sin embargo, el fade out (efecto de edición musical consistente en la disminución del volumen de la canción hasta desaparecer) y la repetición de los estribillos restan algunos puntos a una de las canciones más redondas del álbum. NOTA: 16/20

4".Sonido algo orejero, pop-rock básico, de manual, y una letra trabajada son los ingredientes básicos del segundo single del disco. Amaia tuvo una gran idea, pero no supo desarrollarla bien, no pudo sacarle todo el partido. El problema de la canción es la repetición y la monotonía: las estrofas son demasiado largas y no tienen cambios sustanciales y el estribillo consta de ocho versos prácticamente iguales musicalmente. Luego, se vuelve pesada. Le falta algo, desde luego. NOTA: 12/20

En 407 encontramos el momento más emocionante del disco, a golpe de una letra bien trabajada y simbólica, y de aires de balada italiana. Es de esas canciones que pellizcan el alma, que erizan la piel. Es cruda, pero real. Se la dedicó a su padre, al que animaba en cada verso a superar su enfermedad. Por desgracia, falleció unos meses más tarde de la publicación y, en mi opinión, eso hizo que no fuera el tercer single. Es una canción muy plástica: describe a la perfección todo lo que pasó en aquella habitación, la 407, y el sufrimiento de Amaia, Cada vez que la escucho acabo con un nudo en la garganta. Por cierto, su estilo es similar a las canciones lentas de Dile al sol. NOTA: 20/20

¿Tulipán? La quinta canción se titula TULIPÁN en referencia al "grito de guerra" que hacían los chicos de LOVG y ella antes de salir al escenario en cada uno de sus conciertos. Sí, esta es la canción dedicada al grupo. De ahí las innumerables referencias: sha la la, diciembre del '96, cinco caminos, viejo pintor holandés, once años, miradas de complicidad... Puro pop. Este tema sobresale por sus buenas estrofas y, sobre todo, por romper con la gravedad del resto de temas. Pero, a decir verdad, el estribillo es cortito, facilón y repetitivo (se escucha siete veces) y ese "que siempre os echaré de menos" suena demasiado dulzón. Empalaga un poco. Para terminar con esta canción, he de mencionar el debate sobre la sinceridad de esta canción. En 2011 tanto Amaia como su exgrupo se lanzaron pullas. Ella vino a decir que no se arrepiente de dejar el grupo, que la decisión de la separación se debe a asuntos muy personales y que le extrañaba que, si tan jodidos estaban por su marcha, buscaran una sustituta muy pronto. Dejando aparte las cuestiones del marketing, sí que es un tema sincero, pues se centra en los buenos momentos, que seguro que los hubo. NOTA: 12/20

Se avecinan aires rancheros en NI PUEDO NI QUIERO, el segundo single del álbum en Latinoamérica. Refleja muy bien el carisma y la personalidad de Amaia. Esta pieza pop tiene garra y una letra tan trabajada, aunque, a primera vista, no lo parezca por la inmediatez de la canción. Es de las más directas, aunque adolece de una producción bastante modesta. Por cierto, a muchos nos sorprende la coincidencia que se da entre el verso de "a las cinco en el salón" y el título del quinto álbum de LOVG, A las cinco en el Astoria.  NOTA: 17/20

TE FALTA ROCK es algo azucarada. Sí, al principio pasa desapercibida, pero esta balada, la gran balada del disco, se vuelve en la joya de la corona. Su letra, evocadora, esos aires italianos suyos y el puente, que comienza en el minuto 2:30 y termina en el 3:00, contribuyen a convertirla en el punto álgido del disco, a pesar del fallo de producción (comienza con las trompetas finales de la canción anterior) y ese fade out. NOTA: 18/20

CÍRCULOS. Una pieza más de pop-rock honesta, sencilla. Dentro del conjunto no sobresale, sin embargo, de modo individuo se percibe mejor su potencial, y, más aún, con la llegada del puente, emocionante, con carácter y con ciertos matices épicos. Habla de sacar su versión más honesta, ser ella misma, aunque embadurna el tema con palabras amorosas. NOTA: 14/20

Llegan ritmos funky con LA BAHÍA DEL SILENCIO, la canción en que colabora Eros Ramazzotti. ¿Un dueto? No, participa tocando la guitarra eléctrico y regalándonos unos de sus solos característicos. Posiblemente sea la canción de mayor calidad y riqueza musicales. Por ello, por su estribillo, largo, pero evocador y pegadizo, y su puente magistral, Amaia debería sentirse absolutamente orgullosa por una canción tan rotunda. NOTA: 19/20

Admito que TE VOY A DECIR UNA COSA en las primeras escuchas me recordaba descaradamente a Felicità de Al Bano. Del mismo modo, reconozco que desde hace mucho dejé de pensar así. Poseen ciertas similitudes, pero en la música siempre hay muchas coincidencias y el talento de Amaia es tal que no necesita plagiar. Respecto a la letra, está dedicada a su madre, de ahí que sea una de las letras más tiernas y dulces del disco, si bien peca de cierta previsibilidad. Musicalmente me parece más acertada: el pasaje musical anterior a los últimos estribillos es estupendo, porque incrementa la emoción, incluye un coro gospel y, además, los aires italianos la mejoran. NOTA: 13/20

POR TODA UNA VIDA es la pieza con que concluye el disco y lo hace a través de una letra reflexiva y metafórica, que vislumbra el mimo con que escribe la cantante. También demuestra que se abre a diferentes estilos, como el dance. En efecto, el disco se cierra con efectos electrónicos, aunque demasiado vistos. Sin duda, un gran cierre para el álbum.  NOTA: 14/20

NOTA DISCO FÍSICO: 15,8 /20